무진 無盡
“끝없는 노력과 정진”
무진(無盡)은 ‘다함이 없다’는 뜻으로, 끊임없이 노력하고 정진하라는 뜻을 담아 아버지께서 지어주신 자(字)이다.
이천에서 태어나 어린 시절부터 아버지를 비롯한 많은 공예가들의 곁에서 자라며 자연스럽게 도예에 입문하였다. 일찍이 다양한 기술을 익히고 무엇이든 만들 수 있었던 그는, 점차 눈에 보이는 형태나 기교보다 작업이 담을 수 있는 본질적 가치에 대해 깊이 고민하게 되었다.
Mujin 無盡
"Endless effort and perseverance"
Mujin (無盡), meaning "without end," is a name given by the artist's father to embody the spirit of continual effort and dedication.
Born in Icheon, Mujin was raised among artisans—including his own father—and naturally found his path into ceramics from an early age. Having mastered various techniques and developed the ability to create almost anything, he gradually turned his focus from visible form and craftsmanship to a deeper contemplation of the essential values that can be held within the work itself.
달항아리
달항아리는 한국을 대표하는 공예품으로, ‘업다지 기법’이라 불리는 독특한 제작 방식으로 만들어진다. 이는 두 개의 사발을 이어 붙이는 방식으로, 과거에는 큰 항아리를 만들기 위해 반드시 필요했던 기법이다. 기술이 발전한 오늘날에는 더 수월하게 완벽한 형태를 구현할 수 있지만, 이 전통적 방식은 여전히 달항아리의 정체성을 지키는 중요한 약속으로 남아 있다. 나는 이러한 전통을 존중하며, 불필요한 양식적 해석은 덜어내고 항아리의 본질에 집중하고자 한다.
기술의 발달은 완벽한 항아리를 만드는 일을 수월하게 만들었다. 하지만 과거 장인들이 남긴 비틀린 형태 속에는 부족함을 받아들이는 태도가 담겨 있다. 그들은 자신의 미숙함을 숨기기보다 오히려 작업에 투영하는 용기를 가졌고, 그 안에서 인간적인 진실이 드러났다. 이러한 태도는 완벽함만을 추구하는 현대의 삶에 의문을 제시하며, 스스로의 결핍을 수용하는 것이야말로 진정한 성숙이라는 것을 일깨워준다. 오늘날에도 많은 이들이 달항아리에 마음을 기울이는 이유는, 바로 그 속에 깃든 이러한 의미 때문이다.
비정형의 달항아리는 과거의 지혜와 현대의 감각이 공존하는 형상이다. 우연한 해프닝으로부터 탄생한 항아리는 흙이라는 자연 재료와 인간의 개입 사이에서 균형을 찾아가는 여정이었다. 항아리는 마르는 속도에 따라 갈라지거나 무너지기도 하고, 지나치게 손을 대면 오히려 정형적인 인공의 감각을 남긴다. 나는 이 미묘한 경계 안에서 조형과 조화를 모색해왔다. 그것은 단지 과거 장인들의 태도를 계승하는 것을 넘어, 자연과 인간, 전통과 현재 사이에서 균형을 이루려는 시도이자, 항아리라는 형태를 통해 전하고 싶은 근본적인 가치의 표현이다.
ChatGPT의 말:
Moon Jar
The moon jar is a representative craft of Korea, created through a unique technique called eop-daji, which involves joining two bowl-shaped halves together. In the past, this method was essential for making large jars. Although modern technology now allows for more seamless and perfectly shaped vessels, this traditional technique remains a vital part of the moon jar’s identity—a promise to preserve its origins. I seek to honor this tradition while stripping away unnecessary stylistic interpretations to focus on the essence of the jar itself.
The advancement of technique has made it easier to produce flawless forms. Yet in the slightly skewed shapes left by artisans of the past lies an attitude of acceptance—an embracing of imperfection. These craftsmen had the courage to project their own shortcomings into their work rather than conceal them, allowing something deeply human to emerge. This attitude questions the modern obsession with perfection and reminds us that true maturity comes from accepting our own incompleteness. The reason so many people are still drawn to moon jars today lies in this very meaning held within them.
An asymmetrical moon jar is a form in which the wisdom of the past and the sensibility of the present coexist. The jar, often born out of unintended happenings, is a result of seeking balance between the natural material of clay and human intervention. Depending on how it dries, a jar may crack or collapse, while too much interference can leave it feeling rigid or artificial. Within this delicate threshold, I have sought harmony and form. This is not only an inheritance of the past artisans’ mindset, but also an attempt to find equilibrium between nature and humanity, between tradition and the present—a way to express the fundamental values I hope to convey through the shape of the jar.
대호
작업은 전통과 현대, 두 시대가 교차하는 지점에서 출발했다. 이는 단순히 과거를 현재의 시선으로 해석하는 것이 아니라, 과거의 정서를 현대적인 방식으로 다시 표현하려는 시도였다. 하지만 시간이 흐르며 작업의 의도와 사람들이 인식하는 ‘달항아리’ 사이의 간극이 점점 뚜렷해졌고, 그 이름 자체에 대한 근본적인 의문이 생겼다.
‘달항아리’라는 이름은 소수의 선도자들에 의해 붙여졌고, 그 과정에서 알 수 없는 상징성과 아우라를 지니게 되었다. 이후 어떤 백자 항아리든 ‘달항아리’라는 이름 아래 놓이게 되었고, 이름만으로도 의미와 가치가 덧씌워졌다. 그 안에서 작업의 본질보다 이름이 앞서는 현실을 마주하게 되었고, 결국 ‘달항아리’라는 이름이 하나의 한계로 작용하게 되었다.
그 한계를 넘어서기 위해, 작업은 본래의 이름인 ‘대호’로 다시 돌아왔다. 상징화된 명칭에서 벗어나, 보다 본질적인 감각과 형태의 의미에 집중하려는 시도다. 외부의 시선이나 기대에서 벗어나, 이름조차 다시 사유의 대상으로 삼고자 하는 태도이기도 하다.
Daeho
This body of work began at the intersection of tradition and modernity—not merely interpreting the past through a contemporary lens, but attempting to rearticulate the sentiments of the past in a modern way. However, over time, a growing disconnect emerged between the original intention of the work and how people perceived the "moon jar," eventually leading to a fundamental questioning of the name itself.
The term “moon jar” was coined by a small group of pioneers, and in the process, it came to hold a symbolic aura that was difficult to define. As a result, nearly any white porcelain jar came to be labeled a moon jar, with its name alone imposing meaning and value. This led to a reality in which the label often overshadowed the essence of the work itself, and the name “moon jar” became more of a limitation than a meaningful identifier.
To move beyond that limitation, the work has returned to its original name: Daeho. This is an effort to move away from symbolic labeling and instead focus on the essential meaning of form and sensibility. It also reflects an attitude of stepping outside external expectations—an attempt to reconsider even the name itself as a subject of contemplation.
쓰임
‘쓰임’은 공예를 구성하는 핵심적인 개념 중 하나다. 공예는 쓰임이 전제되기에 다른 예술 장르와는 다른 접근성을 갖는다. 그러나 바로 그 쓰임 때문에, 공예는 때로 단순한 물건으로 환원되며 깊이 있는 해석이나 평가로부터 멀어지기도 한다.
작업은 이러한 쓰임을 ‘사용성’이 아닌 ‘접근성’의 관점으로 다시 바라보는 데서 출발한다. 사용자의 손에 닿는 물건이기 때문에 오히려 감각적으로 더 가까워질 수 있으며, 이 친밀함은 작업에 몰입할 수 있는 환경을 형성한다. 전시 공간 안에서 작업은 단순한 작품이 아니라 공간 안의 사물로 기능하며, 쓰임은 다시 경험으로 환원된다. 결국 쓰임은 공예의 한계를 규정짓는 조건이 아니라, 공예가 존재할 수 있는 가장 직접적인 방식이 된다.
Use
‘Use’ is one of the fundamental concepts that define craft. Because utility is inherent to craft, it offers a different kind of accessibility compared to other art forms. However, that very utility can sometimes reduce craft to mere objects, distancing it from deeper interpretation or critical evaluation.
This body of work begins by reexamining ‘use’ not in terms of functionality, but in terms of accessibility. As objects meant to be touched and handled, craft pieces can become sensorially closer, and this intimacy creates an environment that allows for deeper immersion. Within an exhibition space, the work does not function merely as art, but as an object within the space—transforming use back into experience. In the end, use is not a limitation of craft, but the most direct way in which craft can exist.
경험
작가에게 작업이란 단순히 물건을 만드는 행위가 아니라 경험과 관계를 창조하는 과정이다. 형태와 기능을 넘어서 시간이 축적된 흔적과 그것을 수용하는 태도에 집중하며, 공예가 감정과 기억을 담는 매개체로 작용할 수 있음을 탐구한다.
작가는 공예를 단순한 물질의 차원을 넘어, 감각적이고 관계적인 경험으로 확장하려 노력하고 있다. 그는 작업을 통해 ‘어떻게 존재할 것인가’, 그리고 ‘무엇을 남길 것인가’와 같은 근본적인 질문을 지속적으로 던지며, 전통과 현대, 물질과 정신, 개인과 사회 사이에서 균형을 모색하고 있다.
Experience
For the artist, making is not merely an act of producing objects, but a process of creating experiences and relationships. Beyond form and function, the focus lies in the traces left by accumulated time and the attitude of acceptance toward them—exploring how craft can serve as a medium for emotion and memory.
The artist strives to expand craft beyond the material realm into a sensory and relational experience. Through his work, he continuously poses fundamental questions such as “How should one exist?” and “What should be left behind?”—seeking a balance between tradition and modernity, matter and spirit, the individual and society.